Dibujo Contemporáneo Firmado Jean Cocteau Vis à Vis 1963 - Vis à Vis 1963

Estudio de Suspensión 1992

Técnica mixta sobre papel. título pero legible en la parte inferior; al dorso, sello del artista con firma, fecha y título (Pour poissons - Studio suspension). Caccioni, artista que nació, se formó y aún vive en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado ahora una maduración lingüística definitiva y ocupa un espacio importante dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales insólitos como acetatos, PVC y, más recientemente, fondos escénicos de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de una memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y épocas históricas. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, signo autosignificativo que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen mediante suma o resta de color en los distintos soportes. Trabajar en marco.

El ángel de la muerte 1979

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. La producción artística de Angelo Peratici se caracteriza por un deseo de libertad expresiva que recurre a su ferviente imaginación para representar la realidad. A partir de este impulso innato de transfigurar la realidad, su arte se ha transformado en un laborioso proceso de investigación, fructífero en imágenes metafóricas y visionarias, a veces grotescas, excéntricas, que vemos creadas en particular en la producción de principios de los años 1980.

Sin Título

Óleo sobre linóleo, con aplicaciones de poliestireno recubiertas con papel de aluminio. Firmado al dorso. Acompañado de autenticación del Archivo Aldo Mondino. El ecléctico artista turinés Aldo Mondino ha articulado su investigación artística a través de continuas metamorfosis que han hecho polimórfica su producción: un intento incesante de encontrar una respuesta personal a las transformaciones que se estaban produciendo en los años setenta, intentando hacer convivir la historia del arte con las imágenes. de consumo masivo, fantasías personales, religión, clasicismo, misticismo, viajes a Oriente, amigos y kitsch. Su obstinada necesidad de experimentar con materiales - como café, dulces, azúcar, chocolate derretido de su amado Piamonte, malvaviscos importados de América, bronce, flores, Bic estrictamente azul, cerámica y alfombras de Heráclito - demuestra su capacidad para acercar el arte, la artesanía, la vida común, la naturaleza y la religión en el diálogo. Todo ello aderezado con el uso de la ironía, para desenmascarar los convencionalismos con gracia. En los años 80, Aldo Mondino emprendió un viaje entre Marruecos y Palestina que le dejó una verdadera huella, hasta el punto de generar la serie de obras de los derviches, sujetos danzantes pintados sobre linóleo, que practican la danza ritual característica de la tradición turca. realizando movimientos fluidos y circulares. La obra se presenta en un marco.

Vuelo de Pato

Escultura de bronce. Firma grabada en la base. Gino Masciarelli, escultor originario de Abruzzo pero que vivió en la zona de Milán, después de haber trabajado también en el Centro Experimental de Investigaciones Científicas “F. Marinotti” en Lombardía, que se ocupa del rodaje cinematográfico de alta frecuencia, aprendió a captar en muchas de sus obras la inestabilidad de los cuerpos en movimiento y la disolución de la materia en el espacio. En las esculturas “Grupos humanos” y “Vuelos” -a las que pertenece la obra aquí presentada-, se puede observar el dinamismo del vuelo casi como si de una secuencia fotográfica se tratase. El propio artista afirma: "Sólo 8 segundos impresionaron en 300 metros de película, el objetivo era ralentizar lo que el ojo humano no puede ver, quería captar el movimiento y la proyección de estos segundos duró un par de horas". .

Paisaje con Sol

Fresco sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Más firma y técnica en la espalda. Situada en el naturalismo informal emiliano, la pintura de Bruno Saetti se distingue por un significativo amor por la materia pictórica, rica y consistente, pastosa y fermentante, pero también abierta a las modulaciones de la vibración luminosa. Su serie de "frescos" con el Sol como tema dominante es rica, como en esta obra, que presenta un gran sol luminoso brillando sobre un fondo rojo ladrillo, sobre un paisaje indefinido, donde sólo se reconoce una basílica en la parte superior derecha. . Si el origen emiliano de Saetti se hace evidente en los tonos cálidos de los ladrillos rojos y en el sabor muy peculiar del material (el fresco favorito), por otra parte se reconoce la contaminación veneciana (Saetti vivió durante mucho tiempo en Venecia) en su deteniéndose en el color, en sus vibraciones luminosas, en la sensación de asombro atónito del espacio. La obra se presenta en un marco.

El Leñador 1980

Óleo sobre vidrio. En la parte inferior izquierda aparecen la firma y la fecha, acompañadas del símbolo del artista, la figura estilizada de un hombre en silla de ruedas. Se trata de una obra sobre vidrio del pintor Mario Previ, que vive y pinta en silla de ruedas desde los dieciocho años, debido a una cuadriplejía provocada por una inmersión en su Taro. Dijo de sí mismo: "El mundo, el paso del tiempo, desde este punto de vista (la silla de ruedas) enseña muchas cosas. Se aprende a despertar cada mañana con un propósito, aunque te duela el cuerpo, si cada gesto te genera sufrir y depender de los demás y rendirse podría ser una solución fácil y en cambio, el arte, la pintura, junto con la serenidad de mi mundo, de los amigos, me dan una energía increíble. En 1974, tres años después del accidente, inspirado por un programa de televisión sobre los pintores ingenuos yugoslavos, en particular por las obras sobre vidrio de Mijo Kovacic, Previ comenzó a pintar y a aprender el arte de pintar sobre vidrio de forma autodidacta, hasta que darse a conocer y apreciar por sus pinturas. En sus naifs, Mario Previ cuenta una realidad casi desaparecida, historias reales aunque en tono de cuento de hadas, revive tradiciones perdidas, fragmentos de vida que pertenecieron a otras generaciones, las de la civilización campesina (de la que él también proviene), pero lo que más emerge de sus visiones son los "forë", aquellos que alguna vez se podían escuchar en los "firossi", las tradicionales veladas de las aldeas de Parma dedicadas a reunirse para contar anécdotas, historias y curiosidades históricas, a menudo frente a la chimenea. fuego, cuando afuera hacía frío y nevaba. La obra se presenta en un marco.

La hoguera bajo la nieve, 1979

Óleo sobre vidrio. En la parte inferior derecha aparecen la firma y la fecha, acompañadas del símbolo del artista, la figura estilizada de un hombre en silla de ruedas. Se trata de una obra sobre vidrio del pintor Mario Previ, que vive y pinta en silla de ruedas desde los dieciocho años, debido a una cuadriplejía provocada por una inmersión en su Taro. Dijo de sí mismo: "El mundo, el paso del tiempo, desde este punto de vista (la silla de ruedas) enseña muchas cosas. Se aprende a despertar cada mañana con un propósito, aunque te duela el cuerpo, si cada gesto te genera sufrir y depender de los demás y rendirse podría ser una solución fácil y en cambio, el arte, la pintura, junto con la serenidad de mi mundo, de los amigos, me dan una energía increíble. En 1974, tres años después del accidente, inspirado por un programa de televisión sobre los pintores ingenuos yugoslavos, en particular por las obras sobre vidrio de Mijo Kovacic, Previ comenzó a pintar y a aprender el arte de pintar sobre vidrio de forma autodidacta, hasta que darse a conocer y apreciar por sus pinturas. En sus naifs, Mario Previ cuenta una realidad casi desaparecida, historias reales aunque en tono de cuento de hadas, revive tradiciones perdidas, fragmentos de vida que pertenecieron a otras generaciones, las de la civilización campesina (de la que él también proviene), pero lo que más emerge de sus visiones son los "forë", aquellos que alguna vez se podían escuchar en los "firossi", las tradicionales veladas de las aldeas de Parma dedicadas a reunirse para contar anécdotas, historias y curiosidades históricas, a menudo frente al fuego de la chimenea, cuando afuera hacía frío y nevaba. La obra se presenta en un marco.

Figura femenina 1977

Técnica mixta sobre papel. Firmado abajo a la derecha. En el reverso, dedicatoria autógrafa del artista, con la fecha. Liberatore utiliza diferentes técnicas pictóricas, favoreciendo las figuras humanas, en particular las femeninas o los trenes humeantes que parten en misteriosas estaciones. Sus imágenes de mujeres están representadas con rostros y actitudes sensuales y, a menudo, enmarcadas por sombreros particulares. Los críticos han definido la pintura de Fausto Maria Liberatore como un arte hecho de realismo y misterio. La obra se presenta en un marco.

Sextante 14 1989

Serigrafía a color sobre papel. Firmado a lápiz abajo a la derecha, numerado n. IV/XV abajo a la izquierda. Se acompaña de una autenticación con fotografía de la casa de arte "Il borghetto" de Milán. La obra formó parte de la serie "Sestante", compuesta por 16 serigrafías diferentes. En 1982 Alberto Burri creó Sestante, un gran ciclo de diecisiete cellotex y una escultura de hierro, que fue expuesto de mayo a septiembre del año siguiente en el espacio de los antiguos astilleros Giudecca de Venecia. La evocación del antiguo instrumento náutico, que utilizaban los viajeros para establecer la posición de un punto determinado respecto del horizonte, es un homenaje al destino marítimo de Venecia. Las pinturas son el enésimo desafío de Burri: en sus combinaciones las formas y colores del "sextante" crean un ciclo inagotable donde no hay la más mínima repetición. Dentro de un mismo cuadro, o en la yuxtaposición de uno con otro, el caleidoscopio de formas permite que convivan estructuras cuadradas y curvilíneas, junto con grandes fondos cromáticos y densos patrones visuales. En 1989 el artista propuso nuevamente el ciclo como obra gráfica, creando la serie "Sestante". El historiador del arte Bruno Corà afirmó que "en el caso de Burri, hablar de gráfica no significa hablar de una producción menor respecto a la pintura, sino sólo de una modalidad artística diferente y paralela, en concepción y ejecución, en definitiva tal que pueda incluirse con absoluta importancia en la producción del gran pintor, junto con todos sus demás pronunciamientos revolucionarios e innovadores". La obra se presenta en un marco.

Óleo sobre madera

Charles Moody (1979), óleo sobre madera contrachapada. Firmado en la parte posterior. La obra fue expuesta en la exposición individual "Borderland" en la Galería 8 en Corso Venezia de Milán, como lo demuestra el papel de la etiqueta trasera. Charles Moody se graduó en 2003 en el Instituto de arte de Boston y, después de tres años en Milán, elige vivir en Nueva York. En su arte que en el juicio (arte conceptual, arte de proceso) en lugar del contenido de la imagen y se trata en esta chatarra pintura es mejor. Un arte que fue creado por la aprobación de las imágenes de la televisión (películas casi nunca) y, en particular de populares telenovelas. Trabajo de Moody's va más allá de la imagen de los medios de comunicación mediante la personalización de la selección de imágenes especiales que, en su opinión, ofrecen un potencial narrativo; imágenes de transición, momentos de transición de una escena a la siguiente. El artista utiliza una pintura al óleo manual para reproducir la baja calidad de la imagen de tv exaltando la "difuminación" de blur. Nos enfrentamos a una pérdida de la dimensión espacial, en una temporalidad confundido-difuso-intangible que es difícil reconocer los límites ("Borderland"). En estas distorsiones perceptivas, en cuyo momento se dilata se expande, cada cuadro representa un "indiscernibilità" en que el reconocimiento del objeto que se lleva el segundo lugar. El tiempo de Moody ' s es ni crónica ni historia sino suspensión. (De "Charles Moody, Borderland", comisariada por Gianni Romano, catálogo de exposición, CorsoVeneziaOtto, noviembre-diciembre 2009)

figuras femeninas

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La producción artística de Mino Maccari está orientada principalmente a la sátira social y política, expresada sobre todo a través del dibujo; es más, nunca se posicionó como un juez de las costumbres italianas, sino más bien como un cronista divertido y divertido de los vicios y debilidades de la sociedad. En su producción pictórica, aunque no se desvía excesivamente de los temas de sus dibujos, acentúa más el aspecto fantástico: con pinceladas rápidas y decididas y colores brillantes, a menudo violentos, caracteriza figuras casi irreales o más bien caricaturescas. La obra se presenta en un marco.