Dos dibujos de Jean Cocteau - Tres Caras Ocho Hojas

Sin Título

Óleo sobre linóleo, con aplicaciones de poliestireno recubiertas con papel de aluminio. Firmado al dorso. Acompañado de autenticación del Archivo Aldo Mondino. El ecléctico artista turinés Aldo Mondino ha articulado su investigación artística a través de continuas metamorfosis que han hecho polimórfica su producción: un intento incesante de encontrar una respuesta personal a las transformaciones que se estaban produciendo en los años setenta, intentando hacer convivir la historia del arte con las imágenes. de consumo masivo, fantasías personales, religión, clasicismo, misticismo, viajes a Oriente, amigos y kitsch. Su obstinada necesidad de experimentar con materiales - como café, dulces, azúcar, chocolate derretido de su amado Piamonte, malvaviscos importados de América, bronce, flores, Bic estrictamente azul, cerámica y alfombras de Heráclito - demuestra su capacidad para acercar el arte, la artesanía, la vida común, la naturaleza y la religión en el diálogo. Todo ello aderezado con el uso de la ironía, para desenmascarar los convencionalismos con gracia. En los años 80, Aldo Mondino emprendió un viaje entre Marruecos y Palestina que le dejó una verdadera huella, hasta el punto de generar la serie de obras de los derviches, sujetos danzantes pintados sobre linóleo, que practican la danza ritual característica de la tradición turca. realizando movimientos fluidos y circulares. La obra se presenta en un marco.

Sextante 14 1989

Serigrafía a color sobre papel. Firmado a lápiz abajo a la derecha, numerado n. IV/XV abajo a la izquierda. Se acompaña de una autenticación con fotografía de la casa de arte "Il borghetto" de Milán. La obra formó parte de la serie "Sestante", compuesta por 16 serigrafías diferentes. En 1982 Alberto Burri creó Sestante, un gran ciclo de diecisiete cellotex y una escultura de hierro, que fue expuesto de mayo a septiembre del año siguiente en el espacio de los antiguos astilleros Giudecca de Venecia. La evocación del antiguo instrumento náutico, que utilizaban los viajeros para establecer la posición de un punto determinado respecto del horizonte, es un homenaje al destino marítimo de Venecia. Las pinturas son el enésimo desafío de Burri: en sus combinaciones las formas y colores del "sextante" crean un ciclo inagotable donde no hay la más mínima repetición. Dentro de un mismo cuadro, o en la yuxtaposición de uno con otro, el caleidoscopio de formas permite que convivan estructuras cuadradas y curvilíneas, junto con grandes fondos cromáticos y densos patrones visuales. En 1989 el artista propuso nuevamente el ciclo como obra gráfica, creando la serie "Sestante". El historiador del arte Bruno Corà afirmó que "en el caso de Burri, hablar de gráfica no significa hablar de una producción menor respecto a la pintura, sino sólo de una modalidad artística diferente y paralela, en concepción y ejecución, en definitiva tal que pueda incluirse con absoluta importancia en la producción del gran pintor, junto con todos sus demás pronunciamientos revolucionarios e innovadores". La obra se presenta en un marco.

Creamos Sistemas Atípicos 1963/74

Serigrafías y fotografías. La obra consta de tres viñetas serigrafiadas (en caja de cartón) con el texto en inglés (título original "Hemos creado sistemas atípicos") y seis fotografías del artista, enmarcadas individualmente. En el reverso de las tres serigrafías en inglés, numeradas secuencialmente, figura el número de edición 13/15, la fecha 1974 y la firma del artista; también acompañan tres serigrafías sin firmar con el texto en italiano. Cioni Carpi, artista milanés, comprometido con el arte conceptual y minimalista, produjo obras en las que la imaginación, la sensibilidad, la capacidad expresiva fueron fundamentales. Su creatividad también se expresó en la fotografía, las instalaciones, el video, el dibujo, la escritura, el libro de artista, así como en la pintura. Las dimensiones indicadas son las del marco individual.

Las Alegrías de la Madre

Óleo sobre lienzo. Principios de 1900. El cuadro recuerda con bastante detalle la obra del mismo nombre pintada hacia 1866. del pintor emiliano Gaetano Chierici, artista que se consagró por una gran producción de escenas de la vida campesina, plasmadas en interiores rústicos, interpretadas a través de una íntima adhesión sentimental y un claro realismo formal, que hablan de un pequeño mundo feliz y siempre serena, incluso a menudo alegre a pesar de la pobreza, porque carece de cualquier intención de denuncia social, sino que representa el concepto feliz de familia que tenía el artista. Estos cuadros suyos tuvieron tanto éxito entre la burguesía de la época que fueron reproducidos varias veces en el propio taller del artista y posteriormente también en otros pintores. Chierici casi siempre ambienta la escena en el interior de una humilde cocina campesina, llena de objetos descritos hasta el más mínimo detalle, poblada por niños absortos en sus actividades cotidianas, mientras los adultos los miran felices y divertidos: en esta escena ambientada en un lugar pobre, un Mujer sentada hilando, sonriente y tiernamente divertida, mira a sus dos pequeños hijos, el mayor que, de pie, le roba el chupete al pequeño que yace en el suelo sobre una cama de mantas, que extiende sus manitas hacia su objeto. de placer. La obra, primer lienzo, se presenta en un marco de madera tallada y dorada de finales del siglo XIX.

La máscara

Óleo sobre lienzo. Principios de 1900. el cuadro retoma con bastante detalle la obra del mismo nombre pintada en 1869 por el pintor emiliano Gaetano Chierici, un artista que se consagró por una gran producción de escenas de la vida campesina, plasmadas en interiores rústicos, interpretadas a través de una íntima adhesión sentimental y un claro realismo formal, que hablan de un pequeño mundo feliz y siempre sereno, incluso a menudo alegre a pesar de la pobreza, porque está desprovisto de cualquier intención de denuncia social, sino más bien representativo de la feliz concepción de familia que tenía el artista. Estos cuadros suyos tuvieron tanto éxito entre la burguesía de la época que fueron reproducidos varias veces en el propio taller del artista y posteriormente también en otros pintores. Chierici casi siempre ambienta la escena en el interior de una humilde cocina campesina, llena de objetos descritos hasta el más mínimo detalle, poblada por niños absortos en sus actividades cotidianas, con adultos que los miran felices y divertidos: aquí vemos al niño en el que entra de repente. cocina, con una máscara grotesca en el rostro y asustando así a su hermana pequeña, que abandona su comida para correr y agarrarse a las faldas de su madre, ocupada junto al hogar, que regaña a su hijo mientras blande el cucharón. La obra ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de madera tallada y dorada de finales del siglo XIX.

escena interior

Pintura al óleo sobre lienzo. No firmado, pero en el reverso hay una dedicatoria "A la Signora Clelia Mazzioli, con estima Gaetano Bellei 23 de enero de 1909". La gran escena, ambientada en una cocina popular, muestra a una mujer leyendo cartas a dos niñas, quienes piden explicaciones señalando las figuras que aparecen y parecen compararlas con un texto apoyado en la silla. La obra recuerda la pintura de Gaetano Bellei, por el fuerte realismo con el que el pintor pintó sobre todo escenas de la vida campesina cotidiana; se le considera un maestro de la representación de los afectos humanos y de las reacciones y sensaciones humanas. La pintura tiene ligeras gotas de color. Se propone en un marco elegante.

Estudio de Suspensión 1992

Técnica mixta sobre papel. título pero legible en la parte inferior; al dorso, sello del artista con firma, fecha y título (Pour poissons - Studio suspension). Caccioni, artista que nació, se formó y aún vive en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado ahora una maduración lingüística definitiva y ocupa un espacio importante dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales insólitos como acetatos, PVC y, más recientemente, fondos escénicos de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de una memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y épocas históricas. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, signo autosignificativo que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen mediante suma o resta de color en los distintos soportes. Trabajar en marco.

Vis à Vis 1963

Técnica mixta (rotulador, acuarela) sobre papel. firmado y fechado abajo a la derecha. Jean Cocteau fue un artista polifacético: escritor, dramaturgo, dramaturgo, también incursionó en las artes visuales, amando experimentar con todas las vanguardias de su siglo. Cocteau publicó su primer libro de dibujos en 1923, con sólo 36 años. En él, el poeta retrató a sus amigos Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, pero también numerosas escenas de la vida cotidiana parisina, los ballets rusos de Nijinski, alegorías, caricaturas e imágenes poéticas. Cocteau resulta ser un dibujante talentoso, pero sobre todo un artista capaz de captar la esencia de los rostros, los comportamientos y las debilidades humanas. En su producción pictórica se repite el tema del rostro, o más bien de los rostros, a menudo dos perfiles enfrentados, vis à vis. En 1962 el artista completó la creación del teatro plein air de Cap d'Ail, en la costa mediterránea francesa, cuyo pavimento está decorado con este tema, dos rostros de perfil griego enfrentados, con un ojo interpuesto; El tema fue propuesto nuevamente por él en el período siguiente, además en el período cercano a su muerte repentina, con diversas variaciones. En el dibujo que aquí presentamos encontramos los dos perfiles griegos, separados por el tercer ojo pero también por dos serpientes retorcidas, mientras que en el dibujo del teatro hay hojas. La obra se presenta en un marco.

El ángel de la muerte 1979

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Firma adicional, fecha y título en el reverso. La producción artística de Angelo Peratici se caracteriza por un deseo de libertad expresiva que recurre a su ferviente imaginación para representar la realidad. A partir de este impulso innato de transfigurar la realidad, su arte se ha transformado en un laborioso proceso de investigación, fructífero en imágenes metafóricas y visionarias, a veces grotescas, excéntricas, que vemos creadas en particular en la producción de principios de los años 1980.

Vuelo de Pato

Escultura de bronce. Firma grabada en la base. Gino Masciarelli, escultor originario de Abruzzo pero que vivió en la zona de Milán, después de haber trabajado también en el Centro Experimental de Investigaciones Científicas “F. Marinotti” en Lombardía, que se ocupa del rodaje cinematográfico de alta frecuencia, aprendió a captar en muchas de sus obras la inestabilidad de los cuerpos en movimiento y la disolución de la materia en el espacio. En las esculturas “Grupos humanos” y “Vuelos” -a las que pertenece la obra aquí presentada-, se puede observar el dinamismo del vuelo casi como si de una secuencia fotográfica se tratase. El propio artista afirma: "Sólo 8 segundos impresionaron en 300 metros de película, el objetivo era ralentizar lo que el ojo humano no puede ver, quería captar el movimiento y la proyección de estos segundos duró un par de horas". .

Paisaje con Sol

Fresco sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Más firma y técnica en la espalda. Situada en el naturalismo informal emiliano, la pintura de Bruno Saetti se distingue por un significativo amor por la materia pictórica, rica y consistente, pastosa y fermentante, pero también abierta a las modulaciones de la vibración luminosa. Su serie de "frescos" con el Sol como tema dominante es rica, como en esta obra, que presenta un gran sol luminoso brillando sobre un fondo rojo ladrillo, sobre un paisaje indefinido, donde sólo se reconoce una basílica en la parte superior derecha. . Si el origen emiliano de Saetti se hace evidente en los tonos cálidos de los ladrillos rojos y en el sabor muy peculiar del material (el fresco favorito), por otra parte se reconoce la contaminación veneciana (Saetti vivió durante mucho tiempo en Venecia) en su deteniéndose en el color, en sus vibraciones luminosas, en la sensación de asombro atónito del espacio. La obra se presenta en un marco.