Pintura de Ludovico il Moro sobre la tumba de Beatriz de Este - El adiós de Ludovico il Moro a su esposa.

Técnica mixta (lápiz, bolígrafo, tinta marrón y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. La escena representa el encuentro entre un sumo sacerdote y un líder: si a él lo sigue todo su ejército, con soldados sombríos y armados de diferentes rangos, al sacerdote lo siguen todo el pueblo que alaba al vencedor, mientras dos mujeres jóvenes a su lado De rodillas ofrecen coronas de flores. Detrás de escena, los imponentes muros con la puerta de entrada a una ciudad, hacia la que señala el sacerdote, casi como entregándosela al líder. La vestimenta del sacerdote, en particular la presencia del pectoral llamado "Decisión" que porta, hace referencia a un sacerdote israelita, y por tanto la ciudad podría ser Jerusalén; en cambio, la vestimenta del líder victorioso, con el casco coronado por dos caballos, hace referencia a Alejandro Magno, quien efectivamente conquistó la ciudad en el 332 a.C. El dibujo se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena de tema realista se desarrolla en un espeso bosque donde, cerca de un manantial, una pequeña familia se ha detenido para descansar: dejando el carro con sus pertenencias (¡sin caballo, por lo tanto tirado a mano!), un hombre, una mujer y un nutrido grupo de niños, descansan, comen, se refrescan en la fuente o juegan. Desde arriba a la izquierda se filtra entre los árboles un rayo de sol que ilumina el grupo de figuras situadas en el centro inferior, protagonistas de la escena. La pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX y principios del XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de finales del siglo XIX. Firma no identificada abajo a la derecha. El retrato presenta a un niño en un contexto marítimo: está sentado sobre una roca en una playa, junto al mar, está vestido como un marinero y sostiene en su mano un pequeño velero de juguete. El niño es bastante remilgado y serio. El cuadro tiene ligeros desgarros en el lienzo y manchas de color. Se presenta en un imponente marco de finales del siglo XIX, al que le faltan varias decoraciones en yeso y están dañadas.

El cuarteto de Joaquín 1904

Grabando. Firmado abajo a la derecha; firma adicional y fecha en la esquina superior de la partitura. Se trata de un famoso retrato realizado por el fotógrafo y grabador vienés Ferdinand Schmutzer, del cuarteto musical dirigido por el maestro Joseph Joachim (1831 -1907), famoso violinista, compositor y director de orquesta húngaro. Entre los famosos retratos pintados por Schmutzer se encuentran los de Albert Einstein, Sigmund Freud y Richard Strauss. La obra se presenta en un marco.

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Dentro de una cocina rural, una familia campesina se permite un momento de celebración: el padre toca la mandolina, escuchado por la niña que parece querer bailar, asistida por su madre, y por las demás mujeres de la casa, sonriendo mientras realizan sus tareas domésticas. La producción del pintor napolitano Giuseppe Giardiello siempre miró hacia el folclore de la vida rural y campesina napolitana, pintando, con tonos íntimos y delicados, tanto escenas de la vida doméstica como paisajes animados por figuras. La obra se presenta en un marco contemporáneo.

Interior estable

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida previamente en la subasta de Sotheby's en Milán el 12/10/2007. Fue expuesto en 1991 en la exposición "Giovanni Sottocornola. Imágenes de una colección" celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a los retratos y las naturalezas muertas, en la década de 1880 Giovanni Sottocornola abordó temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas favoritos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más pobres de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura puntillista, sobre la que escribió en 1895: "Por ahora es seguro, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir determinadas sensaciones que ésta". Sin embargo, este tipo de pintura permaneció enteramente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como ocurre en el Interior de un establo, realizado a finales de los años 1980, donde los juegos de luces y sombras juegan y crean los efectos visuales en el pinceladas de color jugaron sobre unas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonalidades. La obra se presenta en un marco de época.

Aceite sobre la mesa. El pintoresco paisaje tiene en primer plano a la derecha un amplio camino que serpentea entre frondas y verdes prados, donde pastan los rebaños; una pequeña familia de campesinos pasa por el camino, todos dedicados al transporte de mercancías: ¡incluso la niña lleva un gran bulto en la cabeza, mientras que la madre lleva la canasta con su hijo recién nacido de la misma manera! Al fondo, la planicie se ensancha para desvanecerse hacia las lejanas colinas y hacia el cielo claro y enrarecido, que desprende una luz casi rosada. La mesa de abeto del cuadro ha sido restaurada y entarimada. La obra se presenta en un marco de mediados del siglo XX.

Paisaje con Figuras y Horno de Pan

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La vista del paisaje muestra en primer plano un camino de montaña que conduce a un horno de pan, donde una mujer prepara los fardos de leña para el fuego, mientras un viajero se acerca a lomos de un burro; en el valle el viaducto sobre el río que conduce al pueblo, coronado por otras cimas áridas. Micheroux, perteneciente a la escuela Posillipo, o la escuela del siglo XIX de artistas napolitanos dedicados a la pintura de paisajes, creó varios atisbos del interior de Campania, pero poco queda de su producción y poco se sabe de su vida. La pintura tiene algunas pequeñas gotas de color. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre lienzo. La escena representa el episodio narrado en el libro bíblico del Génesis, de la expulsión de Adán y Eva del Jardín del Edén, después de que cometieron el pecado de comer el fruto prohibido, fruto del árbol del conocimiento del Bien y del Mal. Conscientes de su desnudez, el hombre y la mujer son expulsados ​​por un arcángel, con la espada de la justicia en la mano y rodeados por una nube de fuego, se lanzan avergonzados y modestos al mundo, representado en un paisaje nórdico. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de principios del siglo XX, con decoraciones y frisos de madera tallada y aplicada.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena representa a María, ya Asunta al cielo y sostenida sobre las nubes por angelitos, recibiendo la Corona de la Santísima Trinidad. Esta coronación expresa la apoteosis de María, que al convertirse en "Reina del Cielo" se convierte en intermediaria entre la tierra, la Humanidad, y el Cielo, la Divinidad: lo que no es dado al hombre ver, se hace posible a través de María que en esta glorificación es más que siempre el hilo tenaz que nos une al Todopoderoso, la verdadera "puerta del cielo", como la definen los Padres de la Iglesia. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.