Tableau Ancien avec Annonciation Huile sur Panneau Italie XVIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Le paysage, vaste et aéré, imprégné d'une atmosphère "classique" intemporelle, s'inscrit dans le courant classicisant des vues idéales tirées de la campagne romaine, introduites à Rome avec beaucoup de succès au XVIIe siècle à l'instar de Carracci, Domenico, Albani. et les français Poussin, Dughet, Lorrain, et s'est poursuivi au siècle suivant avec des artistes tels qu'Andrea Locatelli. Ce type de peintures paysagères visait à exalter les principes de beauté, de raison, d'ordre et de mesure typiques du monde classique, à célébrer la valeur de l'histoire, la confiance héritée des anciens dans les vertus de l'homme et ses possibilités. Dans la nature de ces paysages, qui n'est pas abandonnée au chaos, mais composée, ordonnée, non perturbée par des éléments violents ou désordonnés, se placent des figures humaines, habillées à l';ancienne comme dans ce tableau, dans lequel un couple vêtu de costumes classiques tuniques, elle converse aimablement assise (ou plutôt à moitié allongée presque comme sur un triclinium) au milieu d'une campagne ombragée et verdoyante, près d'une rivière tranquille ; au loin, vous apercevez les bâtiments d'une ville et votre regard se perd alors dans la continuité ordonnée et paisible des collines du Latium. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène, de style flamand, probablement l'œuvre d'un auteur nordique installé à Rome, est occupée par un grand complexe architectural, constitué de vestiges de temples classiques, endommagés, instables et envahis par les mauvaises herbes, situé à proximité d'un lac. Parmi les vestiges d'une époque aujourd'hui révolue se trouvent de nombreuses figurines colorées et animées de personnages de la vie quotidienne contemporaine de la réalisation du tableau. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bandeaux.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord des XVIIe et XVIIIe siècles. La grande scène est remplie de personnages en habits orientaux anciens, dans un paysage nordique, riche en végétation et avec des sommets montagneux au loin. La moitié gauche est principalement occupée par saint Jean-Baptiste, debout et représenté selon l'iconographie traditionnelle : il est vêtu d'une tunique pauvre faite de peaux d'animaux, mais il a drapé autour de lui un manteau rouge, symbole du martyre ; il tient d'une main le bâton en forme de croix, autour duquel est enroulé le rouleau portant l'inscription "Ecce Agnus Dei", qui symbolise son rôle de précurseur et d'annonciateur du Christ, et à ses pieds l'agneau lui-même, victime sacrificielle et donc symbole du sacrifice du Christ. De l'autre main, Jean désigne sur sa droite un personnage hors du cadre de la scène, mais qui est manifestement le Christ : ce geste catalyse le regard de toute la foule sur la droite de la scène, une foule variée représentant différents sexes, classes sociales et races, ce qui indique l'universalité du message du Baptiste. L'œuvre, précédemment restaurée et retouchée, présente une patine diffuse qui nécessite un nettoyage. Présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Le tableau s'inspire de l'œuvre similaire de Paolo Véronèse (1528-1588), datant d'environ 1560-70 et aujourd'hui conservée au musée du Prado, dont notre tableau reprend la composition des personnages, en changeant tout le fond et les vêtements. des personnages. L'œuvre de Véronèse connut un tel succès qu'elle fut reproduite par son propre atelier, avec de nombreuses variantes : notre œuvre dérive probablement d'une de ces copies, répliquée plus tard. L'épisode représenté est raconté dans le livre biblique de l'Exode et raconte la découverte du petit Moïse, laissé par sa mère dans un panier au bord du Nil, pour le sauver du massacre des enfants d'Israël perpétré par Pharaon ; La fille du Pharaon, partie au fleuve avec sa suite, le retrouve et le sauve en l'adoptant. Les personnages de la scène sont représentés dans des vêtements du XVIIIe siècle, en particulier la robe de la princesse se distingue par sa richesse et sa somptuosité ; le seul élément exotique est la présence d'un serviteur noir dans la suite, tandis que l'arrière-plan fait également référence à un paysage du nord de l'Europe, avec une épaisse végétation boisée. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du XIe siècle.

Huile sur toile. École hollandaise de la fin du XVIIIe-début du XIXe siècle. Au dos du cadre, une écriture du début des années 1900 intitulée "Le Docteur, d'après le sujet de Bega", faisant référence au peintre hollandais Cornelis Bega (1620 - 1664) qui se distinguait par ses scènes de genre, généralement d'intérieur et de goût populaire. On voit ici l'intérieur d'une maison dans laquelle une femme soigne la blessure à la jambe d'un homme, aidée par sa petite fille et la vieille femme curieuse. L'œuvre est présentée dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.