Louis Dorigny Attr. Huile sur Toile France XVII-XVIII Siècle - Erminia parmi les bergers

Peinture à l'huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Le paysage, vaste et aéré, imprégné d'une atmosphère "classique" intemporelle, s'inscrit dans le courant classicisant des vues idéales tirées de la campagne romaine, introduites à Rome avec beaucoup de succès au XVIIe siècle à l'instar de Carracci, Domenico, Albani. et les français Poussin, Dughet, Lorrain, et s'est poursuivi au siècle suivant avec des artistes tels qu'Andrea Locatelli. Ce type de peintures paysagères visait à exalter les principes de beauté, de raison, d'ordre et de mesure typiques du monde classique, à célébrer la valeur de l'histoire, la confiance héritée des anciens dans les vertus de l'homme et ses possibilités. Dans la nature de ces paysages, qui n'est pas abandonnée au chaos, mais composée, ordonnée, non perturbée par des éléments violents ou désordonnés, se placent des figures humaines, habillées à l';ancienne comme dans ce tableau, dans lequel un couple vêtu de costumes classiques tuniques, elle converse aimablement assise (ou plutôt à moitié allongée presque comme sur un triclinium) au milieu d'une campagne ombragée et verdoyante, près d'une rivière tranquille ; au loin, vous apercevez les bâtiments d'une ville et votre regard se perd alors dans la continuité ordonnée et paisible des collines du Latium. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène, de style flamand, probablement l'œuvre d'un auteur nordique installé à Rome, est occupée par un grand complexe architectural, constitué de vestiges de temples classiques, endommagés, instables et envahis par les mauvaises herbes, situé à proximité d'un lac. Parmi les vestiges d'une époque aujourd'hui révolue se trouvent de nombreuses figurines colorées et animées de personnages de la vie quotidienne contemporaine de la réalisation du tableau. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bandeaux.

Huile sur toile. École du sud de l'Italie, XVIIe-XVIIIe siècle. La scène, pleine de personnages, voit au centre la figure d'un condottiere, bien défini dans les détails de l'armure, du cimier et de l'anatomie, qui accompagne avec bienveillance, d'un mouvement des bras, un homme agenouillé qui, avec sa compagne, rend hommage à un empereur, tout en montrant de sa main tendue le groupe de six enfants, tenus à droite par des soldats. L'empereur s'est levé de son trône, à gauche, et va à la rencontre du couple prosterné, mais lui aussi semble presque dans une attitude de révérence à l'égard du chef central. La scène semble faire référence à un épisode historique de clémence d'un condottiere qui, par son âge, ses traits et le type d'armure qu'il porte, pourrait être Alexandre le Grand, un personnage qu'il est cependant difficile de faire correspondre à l'autre figure couronnée de laurier qui descend de son trône dans le somptueux palais. L'épisode (historique ou légendaire ?) de référence ne peut donc être identifié précisément. On peut cependant apprécier la richesse compositionnelle de la scène, avec de nombreux personnages bien détaillés et des couleurs vives qui en soulignent le dynamisme. L'œuvre, restaurée et réencadrée, est présentée dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École italienne du XVIIe siècle. La grande composition présente divers aliments sur une table de cuisine : à gauche, un grand panier en osier rempli de légumes, surmonté d'un groupe de poissons suspendus ; d'autres légumes sont placés sur le plateau de la table, à côté d'une assiette de cerises, l'un avec une miche de pain, et plus loin un autre avec des crevettes ; à droite, un vase rempli de fleurs multicolores et, assis sur le haut d'une armoire, un chat noir qui se lèche tranquillement la patte. La netteté des couleurs ressort, renforcée par les reflets de la lumière sur certains aliments, comme les cerises ou les crevettes, et sur la cruche en cuivre devant les fleurs. Le tableau, restauré et retouché, est présenté dans un cadre en lattis.

Scène de chasse

Huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La grande scène, située dans un paysage nordique de végétation dense sous des sommets bleus imperméables, représente le point culminant d'une chasse au fauve : le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe. Le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe, courant autour du cavalier et de la proie. Le chien du centre inférieur se distingue de tous les autres, le seul à avoir un pelage clair : la luminosité intense qui émane et fait ressortir le dessin précis de son pelage, les muscles en mouvement, l'expression exaltée de l'animal, en font le protagoniste de la scène, attirant le regard, tandis que toutes les autres figures, y compris le cavalier, deviennent le contour, précis et exact, mais pas le protagoniste. C'est précisément la précision dans la peinture des animaux qui rapproche cette œuvre de la production de Philip Peter Roos, dit Rosa da Tivoli. Originaire de Francfort, puis installé à Rome, où il est resté jusqu'à sa mort, cet artiste a été très actif surtout comme peintre d'animaux, représentés au premier plan sur des fonds paysagers et exécutés avec des couleurs riches et des effets de lumière intense. Le grand succès qu'il a connu et la très grande production qui en a découlé (parfois au détriment de la qualité des œuvres), justifient l'attribution fréquente à ce peintre d'œuvres dont le sujet et la technique picturale sont proches des siens, comme celle présentée ici, qui n'est cependant pas documentée et validée. Restauré et ré-encadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Personnages avec nature morte automnale

Huile sur toile. Sur le tonneau, dans le coin inférieur gauche, figure la signature de H. Sanders. La scène, située en plein air dans une rue d'une ville flamande, avec le canal en arrière-plan à gauche, montre au premier plan une marchande de légumes derrière son étal, qui présente une composition variée de légumes d'hiver, une nature morte composée de choux-fleurs, de choux, de carottes, d'épis de maïs ; à côté de la femme, un passant muni d'un harpon lui offre du poisson, manifestement le fruit de sa pêche qu'elle veut vendre. Le décor rappelle Amsterdam, ville où naquit et vécut le peintre hollandais Hercules (ou Herkules) Sanders, qui s'imposa surtout comme portraitiste, mais on connaît une scène de genre dans un intérieur, aujourd'hui au Detroit Institute of Arts, datée de 1647 et intitulée "Femme nettoyant des poissons", dont la figure féminine ressemble beaucoup à celle de la vendeuse de l'œuvre présentée ici. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre stylisé.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. La grande scène représente le célèbre épisode, entre histoire réelle et légende, raconté pour la première fois par Tite-Live dans ses "Ab urbe condita libri" (les livres de l'"Histoire de Rome depuis sa fondation"). Afin de peupler la ville nouvellement fondée, Romulus, le fondateur et premier roi de la ville, eut recours à un stratagème : il invita les Sabins, qui vivaient dans la ville voisine de Curi, à la fête de Consualia, en l'honneur du dieu Neptune, et enleva leurs femmes. Le tableau représente le moment où les Romains enlèvent les Sabines, les séparant de force de leurs compagnes, sous les yeux du roi, qui reste sans défense derrière les colonnes du temple du dieu Neptune, reconnaissable à son trident. Au centre, derrière l'obélisque, qui a acquis pour les Romains la signification symbolique d'un butin de guerre et d'un témoignage de la puissance impériale. Les nombreuses figures s'entrelacent, se poursuivent, se superposent, créant des jeux de corps et des effets de couleurs. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord des XVIIe et XVIIIe siècles. La grande scène est remplie de personnages en habits orientaux anciens, dans un paysage nordique, riche en végétation et avec des sommets montagneux au loin. La moitié gauche est principalement occupée par saint Jean-Baptiste, debout et représenté selon l'iconographie traditionnelle : il est vêtu d'une tunique pauvre faite de peaux d'animaux, mais il a drapé autour de lui un manteau rouge, symbole du martyre ; il tient d'une main le bâton en forme de croix, autour duquel est enroulé le rouleau portant l'inscription "Ecce Agnus Dei", qui symbolise son rôle de précurseur et d'annonciateur du Christ, et à ses pieds l'agneau lui-même, victime sacrificielle et donc symbole du sacrifice du Christ. De l'autre main, Jean désigne sur sa droite un personnage hors du cadre de la scène, mais qui est manifestement le Christ : ce geste catalyse le regard de toute la foule sur la droite de la scène, une foule variée représentant différents sexes, classes sociales et races, ce qui indique l'universalité du message du Baptiste. L'œuvre, précédemment restaurée et retouchée, présente une patine diffuse qui nécessite un nettoyage. Présenté dans un cadre ancien.