Tableau Ancien La Confrontation Huile sur Toile École de France - La confrontation

Détrempe sur Toile. Encadrées dans un cadre peint, sculpté de volutes et doré, sont représentées une mère et sa fille : la jeune femme est langoureusement allongée sur un canapé ottoman, et caresse la petite fille agenouillée à côté d'elle, tenant d'une main un panier à goûter. Au dos il y a une restauration, avec un patch dans la partie centrale. L'œuvre est présentée dans un cadre de style.

Intérieur d'une Écurie, 1889

Huile sur panneau dur. Signé et daté 30-11-1889 en bas à gauche. Delleani, qui peignait initialement principalement des sujets historiques, s'est progressivement rapproché de la peinture de paysages "en plein air", en particulier des lieux de ses origines, les vallées piémontaises, caractérisant ses vues par des vibrations chromatiques et une luminosité chaleureuse. Cependant, au cours des dernières décennies de sa vie, il s'est également laissé impliquer dans le courant orientaliste, mais il est ensuite revenu à ses vues de paysages, créant surtout des panneaux riches en couleurs chaudes et en atmosphères suggestives. Plus rare mais tout aussi évocatrice est sa production d'intérieurs, comme celui d'une écurie, où les personnages animés, les moutons, apparaissent comme des taches de couleur presque indistinctes au sein d'un environnement entièrement joué sur les effets lumineux d'une seule gamme chromatique. Restauré et protégé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Huile sur tablette. Signé en bas à droite. Il s'agit de trois petits tableaux proposant des aperçus de paysage, réalisés dans le style naturaliste typique de Lorenzo Gignous : les deux latéraux, mesurant 24 x 30 cm, proposent le sujet le plus récurrent dans la production de l'artiste lombard, à savoir des aperçus du lac Majeur, animés par la pêche bateaux; au centre un paysage plus petit (18 x 25 cm) avec un groupe d'arbres dans la campagne. Les trois petits tableaux sont présentés dans un seul cadre contemporain.

Composé de feuilles gravées sur bois, cousues ensemble et partiellement colorées, avec des chiffres et des textes assortis. Le groupe se compose de 23 fascicules, dont deux en trois exemplaires et un en quatre exemplaires ; un autre couple a la même couverture mais un contenu différent. Les livrets peuvent être considérés comme des « mangas » du XIXe siècle : le mot « manga » peut encore aujourd'hui désigner de nombreuses productions différentes, telles que des dessins animés uniques, des dessins épars, des illustrations plus élaborées, des bandes dessinées, des bandes dessinées, ainsi que des dessins animés. . Ainsi, partant du postulat qu'il n'y a pas de "forme manga" mais différentes manières de concevoir des objets et des formes graphiques tous dénommés par ce mot, le terme manga peut être attesté dans l'usage littéraire et essayiste au Japon dès le XVIIIe siècle pour désigner , comme mentionné ci-dessus, des dessins et des croquis. Mais c'est à partir de la première moitié du XIXe siècle que les 15 volumes d'illustrations, d'études, de divertissements graphiques et d'estampes bichromatiques détaillées de Katsushika Hokusai se sont imposés, grâce à la publication progressive, à partir de 1814. Si, d'autre part, nous voulons donner au mot le sens plus spécifique de "récits dessinés en séquence", alors le début doit être placé dans la seconde moitié du XIXe siècle, à l'instar de ce qui s'est passé en Europe et aux États-Unis. pour les bandes dessinées. Les livrets sont en bon état.

Huile sur toile. Ecole nord-européenne du XIXe siècle. Le goût romantique imprègne ce paysage nocturne, illuminé par la lumière de la pleine lune, à peine voilé par de fins nuages épars ; sur le chemin champêtre qui longe le cours torrentiel d'une rivière, on aperçoit deux figures de passants, un enfant tenant la main d'une femme. Le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École de l'Italie du Nord des XVIIe-XVIIIe siècles. La scène voit au centre la figure du Christ ressuscité qui, assis sur les nuages, tient la Croix d'une main et de l'autre pointe vers le bas, où son regard est également dirigé, vers les destinataires de la Rédemption ; Il est entouré d'anges et est éclairé par un faisceau de lumière intense qui se projette en diagonale depuis le coin supérieur gauche, brisant les nuages, symbolisant la présence de Dieu le Père. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXème siècle.

Huile sur toile. École génoise du XVIIIème siècle. Le paysage campagnard voit au centre une structure délabrée, les ruines d'un bâtiment à travers les murs déchirés dont on voit couler des masses de nuages ​​blancs en arrière-plan ; devant elle coule un petit ruisseau, où une femme fait la lessive, tandis que son compagnon est assis sur un rocher voisin, dans l';alignement de la figure féminine et presque symétriquement à la figure féminine. La scène se caractérise par une recherche lumineuse particulière, par un dynamisme des formes (on peut remarquer la continuité directionnelle du feuillage de l'arbre avec le toit de la ruine et les nuages) et par la théâtralité des figures, autant d'éléments qui ont défini la production picturale du baroque génois. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole nord-européenne du XVIIIe siècle. Caratacus était un roi celtique de la tribu britannique Catuvellauni et chef de la résistance anti-romaine et célèbre comme combattant de la liberté. Pendant huit ans, il résista à l'invasion romaine de la Grande-Bretagne à partir de 43 après J.-C. Pendant huit ans, il fut l'homme le plus recherché de l'Empire romain, traqué sans relâche, de combat en combat, de forteresse en forteresse, dans les montagnes du Pays de Galles, jusqu'à ce qu'il ne fut pas trahi et remis aux Romains en 51 après JC par Cartimandua, reine des Brigands du Yorkshire, à qui il s'était tourné pour obtenir de l'ide. Vaincu, il fut amené enchaîné à Rome avec toute sa famille : amené devant l'empereur, le roi britannique parla avec une telle sagesse et une telle fierté (avec le discours rapporté par Tacite dans ses Annales) que Claude, frappé par ses paroles, accorda la grâce à lui, à sa femme et à ses frères, leur permettant de passer le reste de leurs jours à Rome. Le tableau présente le moment de la péroration de Caratacus, au centre de la scène enchaîné, plaidant avec ferveur sa cause devant l'empereur : il est assis sur son trône, flanqué de son épouse et entouré de sénateurs et de soldats. Le tableau, restauré et rentoilé à la fin du XIXème siècle, présente de légers dégâts.

Huile sur toile. École toscane du 17e siècle. Selon la tradition chrétienne, sainte Véronique est la "femme pieuse" qui, voyant la passion de Jésus portant la croix et son visage maculé de sueur et de sang, l'essuya avec un linge, sur lequel restait l'empreinte du visage de Jésus. Véronique apparaît également au centre du tableau, tandis que deux anges sur les côtés tiennent le linge sur lequel est imprimé le visage du Christ, couronné d'épines ; en dessous, un calice recueille symboliquement le sang divin, tandis qu'au-dessus du théta de la sainte plane l'Esprit Saint. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. La composition présente au centre un lièvre suspendu, flanqué de quelques cailles et d'un pigeon ; sur le côté droit, un panier en osier contenant des châtaignes et des branches de pin ; sur le côté gauche une botte d'asperges et un vase de fleurs colorées, dont les couleurs vives et vives créent un contraste chromatique avec les autres éléments, le tout dans des tons marron et gris. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre réutilisé du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. La scène se déroule dans la boutique d'un barbier, qui a l' intention de couper les cheveux d'un homme sous l'œil vigilant d'autres clients et, surtout, de certaines femmes avec des enfants, dont l' observe même le résultat de l'Opéra. Les lunettes ont été introduites dans l'art d'abord comme signe de distinction, puis aussi comme signe d'attention scientifique, délimitant progressivement la figure du savant, du médecin et du chirurgien : dans cette toile, elles soulignent en fait l'ironie de la scène, utilisée comme un outil pour un examen féminin attentif de la coupe de cheveux de son conjoint ! Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israéliens (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que la population israélienne ne devienne trop nombreuse et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène se déroule au bord d'un fleuve mais dans un paysage qui n'est pas oriental, avec des structures architecturales sur la droite : de nombreux personnages représentent la suite de la princesse, placée au centre avec l'enfant dans le panier. La toile restaurée a été appliquée sur un châssis moderne. Présenté dans un cadre du XIXe siècle.