Peinture de la région de Giuseppe Maria Crespi - Madeleine pénitente, vers 1750.

Raisins, figues, grenades et pêches sur un chapiteau

Huile sur toile. Signée « Max. PF. » sur le cadre supérieur du chapiteau. La nature morte se compose de raisins, de grenades et de pêches posés sur un chapiteau. Un plateau d'argent figure également dans la composition ; à l'arrière-plan se trouve un paysage avec des arbres et des ruines ; à gauche, on aperçoit un ciel céruléen, à peine voilé par des nuages. Maximilian Pfeiler s'est fait connaître par ses natures mortes dans lesquelles il plaçait un fragment d'architecture à l'arrière-plan des fleurs et des fruits, introduisant déjà le goût pour les ruines antiques qui s'affirmera pleinement au XVIIIe siècle. Le tableau a été retouché et restauré (petits repeints). Il est présenté dans un cadre de style.

La Madeleine pénitente et saint Jean-Baptiste

Huile sur ardoise. Voici deux exemples de peinture à l'huile sur pierre, genre pictural particulièrement populaire dans la République de Venise entre le XVIe et le XVIIe siècle, sous la forme de peinture à l'huile sur tableau noir ou pierre de touche. Le choix d'une pierre aussi sombre comme fond n'est pas seulement lié à des raisons pratiques (la proximité des mines de Brescia et du Val Brembana), mais, comme le démontrent clairement nos deux œuvres, l'émergence des figures sur le fond sombre répond à la lumière aussi pleine des nouveaux besoins de la peinture de l'époque, qui dans le climat de la Contre-Réforme, tendait à exprimer non seulement les certitudes existentielles idéalisées de la pleine Renaissance, mais aussi les angoisses et l'ouverture à de nouvelles phases, tendant déjà avec le Tintoret vers une plus grande attention à la réalité et aux contrastes lumineux, pour se diriger ensuite massivement vers la recherche du XVIIe siècle fortement axée sur la combinaison contrastée de la lumière et de l'ombre. Les deux œuvres présentées ici, bien dans la production de l'espace vénitien des premières décennies du XVIIe siècle, proposent deux figures de saints, tous deux ermites, placées sur un fond naturaliste sombre et à peine visible. La figure de Madeleine émerge de l'obscurité, penchée pour suivre la courbe du support en pierre ; elle est représentée regardant d'un air interrogateur vers l'obscurité, comme dans une attitude d'écoute, la main gauche levée et l'autre posée sur le "memento mori" remarquablement raccourci. Devant elle un fléau et le pot de pommade. Peint en pendentif, Saint Jean-Baptiste est représenté jeune homme, avec un agneau à ses pieds, à la main la croix de procession avec l'étendard "ecce agnus dei", tandis que de la main droite il puise à la source d'eau, rappelant l'épisode qui verra Jésus-Christ baptisé. Dans les deux tableaux, les personnages se détachent de manière forte et incisive grâce au noir qui caractérise la plaque d'ardoise sur laquelle ils sont représentés. Les deux tableaux, de format ovale, sont présentés dans des cadres en bois noir, de la fin du XIXème siècle.

École Flamande du XVIe Siècle

Huile sur panneau. École flamande du XVIème siècle. L'œuvre présente à la base une plaque l'attribuant à Lambert Van Noort (1520 -1571), justifiée par la proximité de ses méthodes picturales que l'on retrouve dans les visages de Jésus et de Madeleine, mais non confirmable pour les autres parties du tableau. . L'ouvrage raconte l'épisode de l'Évangile de Jean dans lequel les scribes et les pharisiens amenèrent une femme accusée d'adultère à Jésus, pour tester son observance de la loi de Moïse, qui comprenait la lapidation. Mais Jésus, se penchant jusqu'à terre, commença à écrire avec son doigt dans la poussière, puis, pressé, il prononça ces paroles : « Que celui d'entre vous qui est sans péché jette la première pierre », sauvant la femme et lui pardonnant ensuite. La grande scène est remplie d’un groupe nombreux et serré de personnages. Jésus, au centre, est le seul personnage penché au sol, séparé du reste du groupe et figé dans son geste d'écrire avec un doigt ; derrière lui, avec un alignement vertical précis de son visage avec celui du Christ, se trouve la femme accusée, qui couvre son corps avec son manteau en observant le geste du Christ, en attendant la sentence ; tout autour des scribes, des pharisiens, des soldats, qui parlent entre eux avec animation, s'agitent, se font face, indiquant ce que fait Jésus. Le sujet était largement représenté dans la peinture flamande, avec différentes méthodes d'interprétation. Si dans ce tableau l'école flamande est clairement perçue dans les visages aux traits durs et dans les corps assez rigides dans les mouvements des scribes et des pharisiens, ainsi que dans la représentation de l'édifice en arrière-plan et dans la représentation minutieuse des chaussures au premier plan droit, les deux figures de Jésus et de la femme sont plutôt affectées par l'influence italienne, qui adoucit les traits des visages, donne aux mouvements du corps plus de calme et de grâce, et avec l'aide d'une couleur plus vive les a fait se démarquer parmi les autres personnages. Le panneau du tableau a été restauré et parqueté dans la première moitié du XXe siècle. Le tableau est présenté dans un cadre ancien adapté.

Huile sur panneau en bois. École centrale italienne de la seconde moitié du XVIe siècle. La scène sacrée de l'Annonciation voit les deux personnages protagonistes placés au premier plan dans un intérieur qui correspond à la chambre de Marie. La jeune femme est assise devant un petit bureau en bois, soutenu par des figures d'anges, sur lequel reposent le livre de prières et un vase à petites fleurs ; à ses pieds, le panier à couture. Le corps de Marie est partiellement tourné vers l'arrière, dans un mouvement tordu, presque comme si elle cherchait à s'échapper, comme si elle voulait s'éloigner de l'autre figure, celle de l'Archange Gabriel. Il se tient à droite, majestueux et élégant, une main tenant un lys et l'autre pointée vers le haut au-dessus de lui, là où la colombe blanche, symbole du Saint-Esprit, émerge d'une trouée de lumière. Au fond, de hautes colonnes à tentures surmontent la plateforme sur laquelle repose le lit de Marie. La composition fait référence, dans le style figuratif et dans les choix chromatiques, à la peinture déjà maniériste des écoles de l'Italie centrale : il y a notamment une forte concordance de style et de composition avec certaines œuvres du même sujet du peintre Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525-1530 / 1602), qui vécut et travailla à Pistoia vers 1540. C'est dans cette ville que se trouvent certaines de ses Annonciations : en particulier celle de l'église de Santa Maria delle Grazie (un retable de plus de deux mètres de hauteur), présente de nettes similitudes au niveau formel et compositionnel avec celle présentée ici. . Il y a concordance dans le décor de la scène sacrée : une chambre, au fond de laquelle se trouve un rideau qui recouvre partiellement un lit, meublée des éléments indispensables au récit, le pupitre et le fauteuil richement décorés de cariatides d'angelots ou d'anges. qui semblent sculptés dans le bois. Le schéma de composition correspond, bien qu'avec de légères variations, aux deux figures disposées "en frise" sur la même surface de pose, et les traits somatiques de la Vierge et de l'Archange correspondent également. Cependant, le sol diffère, qui, bien qu'il soit homogène dans notre tableau, dans celui de Pistoia se présente avec une alternance de couleurs en damier, mais il semble que ce dessin du sol ait été ajouté plus tard, à l'occasion de la reconstruction de l'autel en 1637 -1639, en pendant avec celui d'une autre œuvre du même Sebastiano Vini dans la même église, une Conversation Sacrée. Il semble donc assez certain que notre panneau a été peint d'après l'œuvre de Bastiano Veronese, probablement à la demande expresse du client, et avant le changement du sol, remontant donc à la seconde moitié du XVIe siècle. Le tableau a fait l'objet d'une restauration, avec application de deux renforts au dos du panneau. Il est présenté dans un décor de la fin du XIXème siècle. (Référence pour le retable de Pistoia : Catalogue du patrimoine culturel https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.