Sujet Mythologique Huile sur Toile Italie XVII Siècle - Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile, appliquée sur panneau. Ecole centrale italienne du XVIIIe siècle. L'épisode évangélique dans lequel Jésus accueille les enfants chez lui est représenté, exhortant ses disciples à ne pas les repousser : « Laissez les enfants venir à moi, car le Royaume des cieux est à eux ». La scène est pleine de personnages qui se chevauchent et s'entrelacent : au premier plan Jésus, assis à droite, ouvre les bras pour accueillir les enfants qui s'approchent de lui, poussés par leurs mères ; au fond, les disciples, avec Pierre reconnaissable au centre essayant de repousser un garçon, mais leur regard est tourné vers le Christ, qui les regarde et les exhorte à l'accueillir. Une certaine architecture apparaît en arrière-plan de la scène, notamment la pyramide qui représente symboliquement la tension, la montée vers le haut. Le tableau présente un manque évident de toile au centre, réparé en apposant un panneau de bois au dos. Il présente d'autres petites traces de restauration largement répandues. Il est présenté dans un cadre du XIXème siècle.

Huile sur toile. Le tableau s'inspire de l'œuvre similaire de Paolo Véronèse (1528-1588), datant d'environ 1560-70 et aujourd'hui conservée au musée du Prado, dont notre tableau reprend la composition des personnages, en changeant tout le fond et les vêtements. des personnages. L'œuvre de Véronèse connut un tel succès qu'elle fut reproduite par son propre atelier, avec de nombreuses variantes : notre œuvre dérive probablement d'une de ces copies, répliquée plus tard. L'épisode représenté est raconté dans le livre biblique de l'Exode et raconte la découverte du petit Moïse, laissé par sa mère dans un panier au bord du Nil, pour le sauver du massacre des enfants d'Israël perpétré par Pharaon ; La fille du Pharaon, partie au fleuve avec sa suite, le retrouve et le sauve en l'adoptant. Les personnages de la scène sont représentés dans des vêtements du XVIIIe siècle, en particulier la robe de la princesse se distingue par sa richesse et sa somptuosité ; le seul élément exotique est la présence d'un serviteur noir dans la suite, tandis que l'arrière-plan fait également référence à un paysage du nord de l'Europe, avec une épaisse végétation boisée. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du XIe siècle.

Huile sur toile. La grande scène, située dans un paysage vallonné, avec un village et des ruines en arrière-plan à gauche, est entièrement occupée par le groupe compact de nombreux personnages vivants : assis au centre, la famille du berger, observant son compagnon tenant le petit enfant dans ses bras en langes ; tout autour, les animaux, du fidèle chien de berger aux animaux du troupeau, moutons, chèvres et vaches, également au repos. On distingue le grand naturalisme des figures animales, qui fait référence comme modalité picturale aux œuvres de l'école de Philipp Peter Roos, dit Rosa da Tivoli (1657-1706), le peintre allemand considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers actifs dans L'Italie du XVIIe siècle, caractérisée par sa capacité particulière à évoquer la toison et l'apparence des animaux. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre doré d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le portrait propose la figure d'une jeune femme vêtue d'une robe de tous les jours, mais agrémentée de bords de fourrure tachetée ; curieusement, avec le bras levé, elle exhibe un manchon de fourrure replié sur une main, probablement une habitude pour souligner une mode de l'époque. Le tableau présente des signes de restauration, avec conservation de la toile d'origine, bien que remonté sur un châssis neuf. Il est présenté dans un cadre ovale contemporain, mais surmonté d'une frise en bois ajoutée ultérieurement.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Selon la tradition iconographique, également dans ce tableau, l'ange gardien est représenté comme un jeune homme ailé qui accompagne un enfant le long d'un tronçon de route, indiquant le ciel comme destination du voyage. Le personnage ailé se détache et domine la scène, vif par ses couleurs, puissant par la force physique qu'il dégage, quoique doux dans son attitude délicatement protectrice envers l'enfant, dont le petit personnage est enveloppé dans les membres de son tuteur. La scène est enfermée dans une guirlande de fleurs vives et colorées, qui donnent de la couleur aux personnages, par ailleurs placés dans un paysage sombre et presque monochrome. La représentation de personnages, principalement religieux, enfermés dans des cadres floraux, a connu un grand développement surtout à Rome, liée à des noms tels que Giovanni Stanchi (1608 -1675), plutôt que Mario Nuzzi dit Mario de' Fiori (1603 -1673), et d'autres. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre en bande.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIIe siècle. Le grand tableau raconte l'épisode évangélique de la rencontre entre sainte Élisabeth, enceinte de Jean-Baptiste, et Marie, qui attend Jésus, mais inséré dans une scène chorale plus vaste. Il se déroule sur un large escalier, probablement celui du temple où Zacharie, l'époux d'Élisabeth, était prêtre, et est animé par une foule de personnages, dont plusieurs femmes accompagnées d'enfants et de familles. Au premier plan, à gauche, se trouve un personnage avec un jeune garçon attaché à ses jambes : regardant vers le spectateur, il indique d'un large geste du bras l'événement central, la rencontre entre les deux saintes femmes. Les couleurs, qui, selon la tradition de la peinture vénitienne, sont les éléments de base des scènes, soulignant les figures et se dégradant en différents plans tridimensionnels, sont remarquables. Retintée et restaurée, la toile présente une légère cassure sur la gauche. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Dans son style pictural, le tableau rappelle la production d'Angelo Caroselli (1585-1652), artiste baroque romain qui fut peintre, copiste, restaurateur, mais aussi pasticheur et connaisseur d'art, c'est-à-dire créateur de peintures « à la manière de " - dans la "technique"et dans le "style" d'une époque artistique spécifique ou d'un auteur spécifique, voire en assemblant des "parties" tirées de différents tableaux. Initialement caravagesque, Il Caroselli a ensuite développé son propre langage artistique personnel, copié par de nombreux artistes mineurs. Dans cette œuvre se distingue l'expressivité figée et presque exaspérée du personnage, dont l'élégance de la tenue vestimentaire du XVIIe siècle et les traits presque féminins du visage au teint rose contrastent avec la grossièreté de la tête de Goliath, ensanglantée, avec le grand coup de couteau. qui tranche sur la pâleur mortelle. Le tableau a été restauré et regarni, en conservant le cadre en bois d'origine. Il est présenté dans un cadre en bois contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Peinture à l'huile sur toile. École de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Le grand tableau présente comme sujet un thème bien connu de l'Ancien Testament, la richesse du roi Salomon, raconté dans le Premier Livre des Rois : « Le roi Salomon surpassa donc, en richesse et en sagesse, tous les rois de la terre. partie de la terre pour s'approcher de Salomon pour écouter la sagesse que Dieu avait placée dans son cœur. Chacun lui apportait, chaque année, des offrandes d'objets en argent et en or, des vêtements, des armes, des épices, des chevaux et des mulets". Dans le tableau, le roi, richement vêtu des symboles de la royauté (la couronne, le sceptre, le manteau d'hermine), écoute debout les postulants qui viennent à lui pour recevoir les conseils dictés par sa proverbiale sagesse, et en échange ils lui apportent des offrandes, à la mesure de leur rôle social : certains agriculteurs apportent en cadeau des sacs de céréales, fruits de leur travail dans les champs, un autre lève haut une coupe, pour attirer l'attention du roi. Les couleurs et le style pictural du tableau font référence à la production de l'Italie du Nord, notamment vénitienne. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.