Antikes Gemälde Bild mit Porträt eines Kindes Öl auf Leinwand '800

Mischtechnik (Bleistift, Feder, braune Tinte und weiße Kreide) auf Papier. Italienische Schule des frühen 19. Jahrhunderts. Die Szene stellt die Begegnung zwischen einem Hohepriester und einem Anführer dar: Wenn ihm sein gesamtes Heer mit grimmigen und bewaffneten Soldaten unterschiedlichen Ranges folgt, folgt dem Priester das ganze Volk, das den Sieger lobt, während ihm zwei junge Frauen folgen Auf den Knien bieten sie Blumenkränze an. Dahinter die mächtigen Mauern mit der Eingangstür zu einer Stadt, auf die der Priester zeigt, fast so, als würde er sie dem Anführer übergeben. Die Kleidung des Priesters, insbesondere das Vorhandensein des sogenannten „Entscheidungs“-Brustpanzers, den er trägt, weist auf einen israelitischen Priester hin, und daher könnte es sich bei der Stadt um Jerusalem handeln; Stattdessen verweist die Kleidung des siegreichen Anführers mit dem von zwei Pferden bekrönten Helm auf Alexander den Großen, der die Stadt 332 v. Chr. tatsächlich eroberte. Die Zeichnung wird in einem geschnitzten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ludovico il Moros Abschied von seiner Frau.

Mischtechnik (Bleistift, Feder, braune Tinte und weiße Kreide) auf Papier. Italienische Schule des frühen 19. Jahrhunderts. Ludovico Maria Sforza weint am Grab seiner jungen Frau Beatrice d'Este (1475 -1497); um ihn herum die Brüder von Santa Maria delle Grazie und zu seiner Linken Bramante und Leonardo. Auf der kurzen Seite des Marmorbaldachins des Grabes befindet sich das Sforza-Wappen mit zwei Schlangen und zwei Adlern. Il Moro war zutiefst erschüttert über den frühen Tod seiner sehr jungen Frau Beatrice, seiner Begleiterin in seinem privaten, aber auch politischen Leben, sowie seines Mannes, einem Förderer der künstlerischen Genies ihres Hofes, wie Leonardo da Vinci, bei der Geburt. und Bramante, Autoren zahlreicher Bild- und Architekturwerke des Visconti-Sforza-Hofes. Es sind verschiedene Versionen dieser Episode bekannt, insbesondere aus dem 19. Jahrhundert, von der von Giovanni Battista Cigola aus dem Jahr 1815 in der Pinacoteca Ambrosiana bis zu der von Alessandro Reati aus der Zeit um 1850. Das Gemälde wird in einem geschnitzten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Auf der Rückseite befindet sich eine Vintage-Kartusche mit der Aufschrift „Akademische Landschaft; Das von Satyrn gestörte Bad der Nymphen“ in französischer Sprache und einer Zuschreibung an Hippolyte Lebrun (französischer Maler, der in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Italien arbeitete). Die große Szene ist wie eine Kulisse aus dem Inneren einer Felshöhle inmitten eines grünen und schattigen Tals eingerahmt. Ein Fluss fließt darin und bildet Wasserbecken, in denen eine Gruppe Nymphen badet, die von einigen Satyrn gestört werden, die sie verfolgen und bedrohen. Die Szene hat tatsächlich einen sehr verspielten Charakter, wie eine schelmische Unterhaltung zwischen den verschiedenen Charakteren. Die im Vergleich zur Landschaft kleinen Figuren sind eine zusätzliche Komponente, die den Charakter der Gelassenheit und des Vergnügens verstärkt. Der Bezug zur klassischen Kultur steht im Einklang mit der Zeit des Neoklassizismus. Das Gemälde weist Restaurierungsspuren auf. Es wird in einem stilvollen Rahmen angeboten.

Das Joachim Quartett 1904

Radierung. Unten rechts signiert; zusätzliche Signatur und Datum in der oberen Ecke des Notenblatts. Dies ist ein berühmtes Porträt des Wiener Fotografen und Kupferstechers Ferdinand Schmutzer des Musikquartetts unter der Leitung von Maestro Joseph Joachim (1831–1907), dem berühmten ungarischen Geiger, Komponisten und Dirigenten. Zu den berühmten Porträts Schmutzers zählen die von Albert Einstein, Sigmund Freud und Richard Strauss. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Belagerungsszene

Öl auf Leinwand. Außerhalb der Befestigungsanlagen einer Stadt ist ein Anführer, umgeben von seinen Soldaten, im Begriff, den Zünder der Kanone zu entzünden. Die Armee verteidigt die Zitadelle außerhalb der Mauern und die Soldaten scannen den Horizont nach unten: Das führt uns die Szene auf den Befestigungen der Stadt zu platzieren, insbesondere solche von Genua , dass Aufstieg auf den Bergen hinter und von denen die Genuesen die Stadt verteidigt vor Angriffen aus dem Meer; Die Lage in Genua wird durch das Banner, das über die Mauern weht, das Croce di San Giorgio (rotes Kreuz auf weißem Hintergrund) der Republik Genua, bestätigt. Die Form von Rüstung, Waffen und Kleidung würde auf die Belagerung von Genua im Jahr 1522 verweisen. Es handelt sich also um die Darstellung einer historischen Episode aus dem 19. der neue historische Roman von der Literatur vorgeschlagen. Auf der Rückseite des Rahmens steht der Name G. Boni, zusammen mit einer Zahl, die auf die Teilnahme an einer offiziellen Ausstellung hinweist. Giovanni Boni war ein Schüler der Brera-Akademie, insbesondere ein Anhänger von Giuseppe Sogni, einem Künstler, der zu den ersten bevorzugten historischen Gemälden in ihren innovativen romantischen Deklinationen gehörte. Über Boni ist nicht viel bekannt, weder aus biografischer Sicht noch aus seiner Produktion. Von seiner sicheren Zuschreibung kennen wir nur den Akt des Menschen (gemalte Akademie), mit dem er 1852 den ersten Preis für die Scuola del Nudo in Brera gewann. die Charaktere im Vordergrund sind in ihren Posen, Gesichtsausdrücken, in den Details der Kleidung und Waffen sehr gut charakterisiert, während die anderen Figuren in den Hintergrund treten und die Anwesenheit einer großen Armee andeuten. Das Gemälde, noch auf der ersten Leinwand, zeigt kleine diffuse Farbtropfen. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. In einer ländlichen Küche gönnt sich eine Bauernfamilie einen Moment des Feierns: Der Vater spielt Mandoline, dem kleinen Mädchen, das tanzen zu wollen scheint, zuzuhören, unterstützt von ihrer Mutter, und den anderen Frauen des Hauses, die dabei lächeln Sie erledigen ihre häuslichen Aufgaben. Der neapolitanische Maler Giuseppe Giardiello orientierte sich in seinem Schaffen stets an der Folklore des neapolitanischen Land- und Bauernlebens und malte mit intimen und zarten Tönen sowohl Szenen des häuslichen Lebens als auch von Figuren belebte Landschaftsansichten. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Innenraum einer Stall

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. Das Werk wurde bereits am 12.10.2007 bei Sotheby's in Mailand erworben. Es wurde 1991 in der Ausstellung „Giovanni Sottocornola. Bilder aus einer Sammlung“ in der Galerie Silbernagl in Mailand ausgestellt. Nach einer anfänglichen malerischen Phase, die Porträts und Stillleben gewidmet war, näherte sich Giovanni Sottocornola in den 1880er Jahren sozialen Themen, die zu den Lieblingsthemen junger lombardischer Maler wurden, die sich um die ärmsten Aspekte der Gesellschaft kümmerten, verbunden mit der Übernahme origineller künstlerischer Techniken. Sottocornola übernahm die Praxis der pointillistischen Malerei, über die er 1895 schrieb: „Im Moment bin ich sicher, dass es kein anderes Gemälde gibt, das bestimmte Empfindungen besser vermitteln kann als dieses.“ Diese Art der Malerei konzentrierte sich jedoch weiterhin ganz auf das Licht, auf seine unsicheren Tonschwingungen, wie es im Inneren eines Stalls der Fall ist, der gegen Ende der 1980er Jahre geschaffen wurde und in dem das Spiel von Licht und Schatten spielt und die visuellen Effekte erzeugt Pinselstriche der Farbe spielten auf einigen Farbbereichen, denen von Brauntönen, ausgedrückt in einer breiten Palette von Schattierungen. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf dem Tisch. Die malerische Landschaft hat im Vordergrund rechts einen breiten Weg, der sich zwischen Wedeln und grünen Wiesen windet, auf denen Herden grasen; Eine kleine Bauernfamilie geht den Weg entlang, alle mit Warentransport beschäftigt: Sogar das Mädchen trägt ein großes Bündel auf dem Kopf, während die Mutter mit ihrem neugeborenen Sohn den Korb auf die gleiche Weise trägt! Im Hintergrund breitet sich die Ebene weit aus, um zu den fernen Hügeln und in den klaren und dünnen Himmel zu verblassen, der ein fast rosafarbenes Licht abgibt. Der Tannentisch des Gemäldes wurde restauriert und parkettiert. Die Arbeit wird in einem Rahmen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene zeigt die im biblischen Buch Genesis erzählte Episode der Vertreibung von Adam und Eva aus dem Garten Eden, nachdem sie die Sünde begangen hatten, die verbotene Frucht zu essen, die Frucht des Baumes der Erkenntnis von Gut und Böse. Im Bewusstsein ihrer Nacktheit werden der Mann und die Frau von einem Erzengel vertrieben, mit dem Schwert der Gerechtigkeit in der Hand und umgeben von einer Feuerwolke machen sie sich beschämt und bescheiden auf den Weg in die Welt, dargestellt in einer nordischen Landschaft. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert mit geschnitzten und applizierten Holzdekorationen und Friesen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Szene zeigt Maria, die bereits in den Himmel aufgenommen wurde und von kleinen Engeln auf den Wolken getragen wird, wie sie die Krone von der Heiligen Dreifaltigkeit empfängt. Diese Krönung bringt die Apotheose Mariens zum Ausdruck, die, indem sie „Königin des Himmels“ wird, zur Mittlerin zwischen der Erde, der Menschheit, und dem Himmel, der Göttlichkeit, wird: Was dem Menschen nicht zu sehen gegeben ist, wird durch Maria möglich, die in dieser Verherrlichung mehr ist als immer der zähe Faden, der uns mit dem Allmächtigen verbindet, dem wahren „Tor des Himmels“, wie es von den Kirchenvätern definiert wird. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Die Identifizierung der Heiligen erfolgt durch das Vorhandensein des großen Holzrads, Symbol des Instruments ihres Martyriums. Normalerweise wird die Heilige mit einer Krone auf dem Kopf und in königlicher Kleidung dargestellt, um ihre fürstliche Herkunft zu unterstreichen. Stattdessen haben wir hier eine untypische Darstellung von ihr, mit offenem Haar, nur bedeckt von einem großen roten Umhang (der die Farbe des Blutes und damit der sterblichen Menschheit hat), der von ihren Schultern fällt und sie zwingt, ihre Brüste mit den Händen zu bedecken; Ihr Blick ist nach oben gerichtet, wo sich der Himmel öffnet und ein Engel herabsteigt, der mit einer Hand die Palme des Märtyrertums hält und mit der anderen einen Blumenkranz auf ihren Kopf setzt, Symbol ihrer mystischen Hochzeit mit Christus. Es handelt sich also um eine Darstellung, die sie im Moment des Übergangs zum ewigen Leben sieht, ähnlich einer reuigen Magdalena in mystischer Anbetung, die sich Christus ohne menschliche Anerkennung opfert. Auf dem Gemälde stechen die Farbwahlen hervor, die vor einem dunklen und düsteren Hintergrund das Rot des offenen Himmels und des Mantels sowie das Weiß des Fleisches sowohl der Frau als auch des Engels hervorheben. Die bereits restaurierte und unterfütterte Leinwand wird in einem bearbeiteten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert, der einige Mängel aufweist.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 18. Jahrhunderts. Dem Geschmack des 18. Jahrhunderts entsprechend wird die geplante Landschaft von den Überresten eines antiken Tempels dominiert, Überbleibseln vergangener Herrlichkeit. Rundherum gibt es eine Landschaft mit einem Bach, die jedoch in der Ferne zu den blauen Gipfeln einer Bergkette hin verblasst. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.